Eine Geschichte der Frauen in Quentin Tarantino-Filmen

Everett-Kollektion

Patricia Arquette und Christian Slater in Wahre Romanze .



Der Charakter, der unterstützt am besten die Idee von Tarantino, da ein fantasievoller Schweissfant in einem Film erscheint, den er geschrieben, aber nicht geleitet hat. Wahre Romanze , unter der Regie von Tony Scott, kam ein Jahr nach Tarantinos eigenem Regiedebüt 1992 Reservoir Dogs, ein Raubüberfall-Thriller, in dem die Zeit, die die Diebe damit verbringen, über Madonna zu reden, einer weiblichen Figur am nächsten kommt. Der stilvoll mörderische und absolut unterhaltsame Film ist ein Wunscherfüllungsfilm über einen Detroiter Comicladen-Angestellten namens Clarence (Christian Slater), der seine perfekte Frau Alabama (Patricia Arquette) trifft und mit ihr ein von Kugeln übersätes kriminelles Abenteuer beginnt.

Alabama, gespielt in einem zugegebenermaßen fabelhaften Wirbel aus Push-up-BHs und Animal-Print, ist eine russische Puppe nachsichtiger Ideen. Als sie sich Clarence bei einem Kampfsport-Triple-Feature nähert, ist sie eine zu schön, um wahr zu sein Kombination aus Interesse an und anscheinend nicht informiert über all seine Lieblingssachen, glücklich zu hören, dass er über alles von Sonny Chiba bis Spider-Man spricht („Du bist ein Mädchen nach meinem Herzen“, bemerkt er, ohne zu merken, dass sie tatsächlich als feuchter Traum eines Geeks auftritt). Am nächsten Tag, nachdem Alabama gestanden hat, dass sie tatsächlich von seinem Chef als Geburtstagsgeschenk eingestellt wurde, entpuppt sich Alabama als eine ganz andere Art von Fantasie – eine Sexarbeiterin, die sich in ihren Kunden verliebt hat und gerettet werden will, damit sie es kann etwas haben Real mit ihm. ('Ich glaube, was du getan hast ... war so romantisch!' schluchzt sie, nachdem er es auf sich genommen hat, ihren Zuhälter zu töten.)



In Tarantinos ursprünglichem Ende stirbt Clarence in der großen Schießerei, die den Film beendet. Es macht Alabama nicht rückwirkend weniger zu einer Traumkreation, aber diese negative Schlussfolgerung würde zumindest die maskuline Fantasy-Blase eines geekigen Einzelhandelsarbeiters platzen lassen, der sich abrupt in einen Actionfilm-Badass verwandeln kann. Scott entschied sich stattdessen für das Überleben des Paares und verwandelte die traurige Erinnerung Alabamas an eine gemeinsame glückliche Erinnerung im Drehbuch in einen Chor unironischen, tonal markengerechten Lobes für Clarence: „Du bist so cool. Du bist so cool. Du bist so cool.'

Mia Wallace- Schundliteratur (1994)



Everett-Kollektion

Uma Thurman in Schundliteratur .

In Tarantinos immer noch schillerndem Durchbruch Schundliteratur , Mia (Uma Thurman) – der gescheiterte Schauspieler, der zum Ehepartner von Gangboss Marsellus Wallace (Ving Rhames) wurde – teilt mit Alabama eine vage Aura von Retro-Hipness, ist aber deutlich interessanter. Wir hören von ihr, bevor wir sie jemals sehen, in einem Gespräch zwischen den Auftragskillern Vincent Vega (John Travolta) und Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), das sie als gelangweilte Trophäenfrau (oder Femme Fatale) ahnen lässt, die die Angestellten ihres Mannes anwerben möchte in gefährlichen Eifersuchtsspielen.

Natürlich weiß keiner von beiden wirklich, wovon er redet. Wenn sie auftaucht, ist es zerlegt, wie ein visueller Trommelwirbel – zuerst ihre Stimme, dann ihre Lippen, die in ein Mikrofon sprechen, dann ihre Füße (immer mit dem Füße !) – bevor wir das unerwartete Ganze sehen: eine schlaue, schlaksige Schönheit mit schwarzem Bob, die um Vincent herumläuft, wenn er sie für den Abend unterhalten soll.

Aufpassen Schundliteratur Jetzt fällt unter anderem auf, wie sich selbst vorbeifahrende Charaktere dreidimensional fühlen, von der morbid neugierigen Taxifahrerin Esmarelda Villalobos (Angela Jones) bis hin zu einer so kleinen Figur wie Raquel (Julia Sweeney) aus Monster Joe's Truck and Tow, die es schafft um in nur wenigen Sekunden Bildschirmzeit als jemand zu wirken, der eine große Geschichte zu erzählen hat. Mia, die einen größeren Teil des Films einnimmt, enthält einen ganzen Roman – eine Figur ruheloser, unberechenbarer Energie, von der Vincent plausibel hingerissen wird, obwohl sie weiß, wie tabu sie ist. Ob Mia daran dachte, mehr als eine unerwartete Chemie mit ihm zu genießen, erfahren wir nie. Der Abschnitt rast in eine andere Richtung, die damit endet, dass Vincent eine Nadel voll Adrenalin in ihre Brust sticht, um eine versehentliche Überdosis zu stoppen.

Schundliteratur war das erste der drei Features, die Thurman und Tarantino zusammen machen würden, eine kreative Partnerschaft, die in körperlichem Schmerz und persönlichem Verrat endete (obwohl die beiden seither anscheinend Sachen geflickt , und Thurmans Tochter Maya Hawke erscheint in Es war einmal ). In einem 2018 Interview mit Maureen Dowd , in dem Thurman über Weinstein und die sprach Töte Bill Autounfall sagte sie: 'Ich persönlich habe 47 Jahre gebraucht, um aufzuhören, Leute, die gemein zu dir sind, in dich verliebt zu nennen.' Die Zeile kommt einem in den Sinn, wenn man sich die Szene ansieht, in der Mia wiederbelebt wird, die als eine Art schwarz-komische Alternative zu der Penetration angelegt ist, die Vincent zuvor im Sinn hatte – als wären Gewalt und Sex austauschbare lustvolle Spektakel.

Dieser Moment könnte als Grundstein für Tarantinos uneingeschränkte Brutalitätstheorie angesehen werden, in der jeder berechtigt ist, sie auszuteilen und zu erhalten. Es ist ein Ansatz, der Tarantinos Filme an überraschende, manchmal aufregende, manchmal abgefuckte Orte gebracht hat – aber es ist nicht wirklich gerecht, weil wir nicht alle Gewalt auf die gleiche Weise sehen; Gewalt gegen einige Charaktere ist mit viel mehr Gepäck verbunden als Gewalt gegen andere.

Jackie Brown — Jackie Brown (1997)



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Pam Grier in Jackie Brown .

Als es 1997 herauskam, Jackie Brown war betrachtete als verhaltene Fortsetzung und möglicher Rücktritt von Schundliteratur , was lustig ist, wenn man bedenkt, dass heutzutage 'eigentlich sein bester Film' zu einer kanonischen Cool-Kid-Meinung geworden ist. Jackie Brown wurde für Pam Grier auf die gleiche Weise als Karrierewiederauferstanden gelobt Schundliteratur war für John Travolta. Und durch die Linse eines Comeback-Fahrzeugs gesehen ist es definitiv ein reichhaltigerer und nuancierterer Film.

Was an Tarantinos Adaption eines Elmore Leonard-Romans so ungemein befriedigend ist, ist, dass der Film Grier und ihre Figur Jackie auf die gleiche Weise einrahmt: als Frauen, die von allen um sie herum zu lange schändlich unterbewertet wurden. Jackie, eine Flugbegleiterin, die für einen Waffenhändler namens Ordell Robbie (Samuel L. Jackson) Besorgungen macht, ist ein strahlender Star in den verwahrlosten Hinterzimmern des Großraums Los Angeles. Aber nur der Kautionsvermittler Max Cherry (Robert Forster) scheint es zu bemerken – zumindest ist er zu Recht vom ersten Moment an überwältigt, in dem sie sie sieht.

Natürlich sehen wir sie auch, denn die Kamera lädt uns ein, diese offensichtliche Wahrheit von Anfang an anzuerkennen Eröffnungssequenz Jackie macht sich zu den Klängen von Bobby Womacks 'Across 110th Street' auf den Weg zur Arbeit. Jackie ist keine hingebungsvolle Kriminelle – sie ist eine Frau, die vor Jahren ein hartes Geschäft gemacht hat und seitdem mit diesem Defizit arbeitet, jetzt 44 und 16.000 Dollar im Jahr bei einer Billigfluggesellschaft verdient, weil sie kein besseres Unternehmen einstellen wird. („Hast nicht gerade die Welt in Brand gesteckt, oder, Jackie?“, spottet ein Detective des LAPD an einer Stelle.) Der Film zeigt geschickt, wie Kriminelle und Polizisten es gleichermaßen für selbstverständlich halten, dass Jackie machtlos ist und sie ins Spiel bringt eine No-Win-Situation, die sie – gleichzeitig königlich und vorsichtig – zu ihrem eigenen Vorteil ausnutzt.

Jackie Brown ist Tarantinos einzige Adaption, und vielleicht ist die Arbeit mit dem Quellmaterial eines anderen das, was den Film fest auf dem Boden hält (abgesehen vom Beruf seiner Heldin), auf eine Weise, die wir erst wieder sehen würden Es war einmal . Es ist auch ein Beweis dafür, dass Tarantino sich zurückhalten kann, wenn er möchte; Wenn zum Beispiel im Film eine bedeutende Frauenfigur abrupt getötet wird, sehen wir den Schützen, aber nicht das blutige Ergebnis seiner Schüsse.

Es gibt keinen Glamour in der Darstellung von Kriminalität, die sich auf Flughafenparkplätzen und Food-Courts in Einkaufszentren abspielt. Und in seinem intimen Porträt von Jackie – insbesondere ihrer vorsichtigen Verbindung, einer möglichen Romanze und einer Raubüberfall-Partnerschaft mit Max – wird Jackies Gefühl, im Laufe der Jahre kaum den Kopf über Wasser zu halten, große Aufmerksamkeit geschenkt.

O-Ren Ishii — Kill Bill: Vol. 1 (2003)



Everett-Kollektion

Lucy Liu in Kill Bill: Vol. 1 .

Es fühlt sich nicht richtig an um O-Ren Ishii zu beschreiben, den Yakuza-Boss, gespielt von Lucy Liu in Kill Bill: Vol. 1 , als Bösewicht. Sie ist selbst eine Antiheldin, besitzt eine Hintergrundgeschichte voller Trauer und Wut, die in einer konzentrierten, teilweise animierten Dosis geliefert wird. Rache macht den größten Teil der sorgfältig choreografierten Gewalt in der Töte Bill Filme, und während das Streben danach als fast heiliges Recht dargestellt wird, wird auch klargestellt, dass es nicht ausschließlich ein Recht der Heldin des Films ist. Nachdem die Tochter von Vernita Green (Vivica A. Fox) den Tod ihrer Mutter durch Beatrix Kiddo (Thurman) miterlebt, wendet sich Beatrix an das junge Mädchen und erkennt feierlich ihr Recht auf Vergeltung an: roh darüber, ich werde warten.' O-Ren war ein junges Mädchen, als ihre Familie getötet wurde, und Sie fühlte sich definitiv immer noch roh an.

Während alle Mitglieder des Deadly Viper Assassination Squad in Tarantinos Drehbuch einige emotionale Schattierungen erhalten, ist es O-Ren, der als vollwertiges Gegenstück zu Beatrix positioniert ist – nicht nur ein Name zum Abhaken, sondern eine Vision dessen, was danach passieren kann alle Fehler, die Ihr Leben entgleist haben, wurden angegangen. Die Töte Bill s können zwei separate Filme sein, egal was Tarantino hat verfügt , aber sie bilden ein jubelndes Fetischobjekt, eine weitläufige Sammlung von Referenzen aus Martial-Arts-Filmen, die die Grenze zwischen liebevoller Hommage und Aneignung bewegen.

Es würde einen ganz anderen Aufsatz erfordern, um Tarantinos Rekord mit Rennen zu untersuchen (der letzte Kampf geht um seinen Darstellung von Bruce Lee in Es war einmal ), aber es war nie leicht, ihn festzunageln. Details wie die Besonderheit von O-Rens Hintergrund als ethnisch gemischte Außenseiterin und ihre vehemente Verteidigung ihres Rechts auf ihre nationale Identität bilden ein Gegengewicht zum stilisierten Tokio des Films. Als O-Ren in ihrem gemeinsamen Kampf Beatrix als 'albernes kaukasisches Mädchen, das gerne mit Samuraischwertern spielt' verspottet, ist dies ein faszinierend kompliziertes Gefühl von einer Figur, die härter kämpfen musste, um in das Land zu gehören, in dem sie geboren wurde als dieser Ausländer, der nur in ein Flugzeug steigen musste, um mit Hattori Hanzō-Stahl beschenkt zu werden.

Beatrix Kiddo — Kill Bill: Vol. 1 (2003)



Everett-Kollektion

Uma Thurman in Kill Bill: Vol. 1.

Es ist eine andere Erfahrung um die Worte 'Basierend auf dem Charakter der Braut, erstellt von Q&U' im Abspann von . zu sehen Kill Bill: Vol. 1 jetzt als vor 16 Jahren, da Thurman sagte, dass sie nach dem Autounfall am Set 'von einer kreativen Mitwirkenden und Performerin zu einem kaputten Werkzeug geworden ist'. Auf dem Bildschirm Beatrix Kiddo – die Braut – tut fühlen sich unauslöschlich wie eine gemeinsame Schöpfung an, eine Figur, deren Status als fast superheldenhafter Kämpfer mit immer komplexeren emotionalen Beats über Mutterschaft und die Suche nach Glück gepaart ist.

In dem Töte Bill s ist es Tarantino gelungen, eine von Frauen geführte Action-Geschichte zu machen, die sich während der Kampfsequenzen dem Geschlecht schonungslos gleichgültig fühlt, aber in Bezug auf den Charakter gründlich darüber nachdenkt. Diese Leistung fühlt sich immer noch berauschend an, während die Filme von massiven Versatzstücken wie Beatrix 'Kampf mit O-Ren im House of Blue Leaves zu ihrem Showdown persönlicher Erzählungen an einem Tisch mit Bill (David Carradine) fortschreiten. Es ist schwer vorstellbar, dass die Balance ohne den Beitrag von Thurman hätte funktionieren können. Sicherlich in Filmen, die Tarantino danach gemacht hat Töte Bill , ohne sie ist diese zarte Anspannung weg und ein zunehmendes Unwohlsein tritt an ihre Stelle.

Trotzdem ist es widerlich, was Beatrix passiert, wenn sie im Koma liegt – das Offscreen-Setup für die Ereignisse von Töte Bill – das ist immer genervt. Die Figur wiederholten sexuellen Übergriffen auszusetzen, während sie jahrelang bewusstlos ist, ist nicht nur aus erzählerischer Sicht unnötig, sondern auch quälend leichtfertig über den offenkundigen Horror, dass der eigene Körper wie eine Sexpuppe behandelt wird. In den folgenden Filmen begann Tarantino, den historischen Kontext zu nutzen, um die Gewalt, die er immer genossen hat, gerechter zu gestalten, eine Wahl, die tatsächlich fühlte sich unaufrichtiger an für mich als die Gewalt, die nur um ihrer selbst willen existiert. Was Tarantino Beatrix im Koma aussetzt, fühlt sich an wie ein Testlauf für diese Strategie.

Sie wird vergewaltigt, um ihrer eventuellen grafischen Vergeltung zusätzlichen, berechtigten Schwung zu verleihen, aber erst nachdem der Film sich über das, was mit ihr passiert ist, die Lippen leckt (versuchen Sie nur, dieses schmuddelige Glas Vaseline zu vergessen). Tarantino würde einen ähnlichen Trick in seinem fröhlich bösen Todesbeweis (2007). Dieser Film schafft es ziemlich geschickt, seinen Kuchen zu essen und ihn auch zu essen, indem er eine Gruppe hipper Freundinnen vorstellt, die von einem frauenfeindlichen Serienmörder namens Stuntman Mike (Kurt Russell) grausam ermordet werden und dann vorstellt Ein weiterer Gruppe hipper Freundinnen, um ihn zu Tode zu stampfen.

Shosanna Dreyfus — Inglourious Basterds (2009)



Everett-Kollektion

Mélanie Laurent in Inglorious Basterds .

Ein gerechter historischer Kontext für Gewalt bildet den Rahmen für beide 2009 Inglourious Basterds und 2012 Django Unchained , die Tarantinos sadistische Tendenzen gegen Nazis bzw. Sklavenhalter ausspielte. Die Charaktere in diesen vergrösserten Filmen sind in der Regel auch größer geschrieben, wodurch viel von der seltsamen Textur und Menschlichkeit verloren geht, die in seinen früheren Arbeiten zu finden waren.

Kerry Washingtons Broomhilda in Django Unchained ist eine Hauptdarstellerin, die als Motivationsfaktor für die Titelfigur (Jamie Foxx) viel mehr Bedeutung hat als die eigentliche Screentime. Mélanie Laurent geht es besser als Shosanna Dreyfus in Inglourious Basterds , eine junge Jüdin, die miterlebt, wie ihre Familie auf Befehl des „Judenjägers“ Hans Landa (Christoph Waltz) abgeschlachtet wird und später als Kinobesitzerin in Paris eine Chance auf Rache gegen das Reich bekommt.

Inglourious Basterds hat ein umfassendes Ensemble von Charakteren, die oft das Gefühl haben, nur vorgestellt zu werden, um zu sterben. Aber Shosanna ist eine emotional eigenständige Linie, die in der ersten Szene und im großen Finale vorhanden ist, und sie ist die einzige Figur, die wirklich das Gefühl hat, ein Leben zu haben, anstatt eine Log-Linie. Shosanna hat einen zärtlichen Austausch mit ihrem Liebhaber Marcel (Jacky Ido); Sie atmet auf, nachdem sie in ein Gespräch mit Landa geraten ist, die das Mädchen, das ihm entkommen ist, nicht erkennt. Am dringendsten muss sie sich mit der aufdringlichen Aufmerksamkeit des deutschen Kriegshelden Fredrick Zoller (Daniel Brühl) auseinandersetzen, der ihren nitratgetriebenen Plan unwissentlich ermöglicht.

In einem Spielfilm voller Filmkritiker, die zu Spione und empörende Guerillakämpfer wurden, die Hakenkreuze in die Stirn der Nazis schnitzen, zeichnen sich die Sequenzen zwischen Shosanna und Zoller dadurch aus, dass sie eine gemeinsame Erfahrung aus dem wirklichen Leben evozieren: Wie es ist, eine Frau zu sein, die versucht, es zu tun die unerwünschten romantischen Streifzüge eines Mannes bewältigen, der sich wahrscheinlich rächen wird, wenn er abgelehnt wird. Egal, ob Sie in der Art und Weise, wie Tarantino die Macht des Pulp-Kinos nutzt, um die Vergangenheit in diesen Filmen neu zu schreiben, ernsthaftes thematisches Gewicht finden oder in der Art und Weise, wie er historische Gräueltaten nutzt, etwas Söldneres entdecken, es ist nicht zu leugnen, dass Shosanna ein höllisches Finale bekommt Bild. Aber es ist die Art und Weise, wie sie Zoller zuvor anspricht, die sich ergreifender anfühlt – ein Aufblitzen der Sympathie, der sie zum Scheitern verurteilt, ein seltener und fataler Moment der Weichheit von einem Charakter stählerner Entschlossenheit.

Gänseblümchen Domergue — Die hasserfüllten Acht (2015)



Everett-Kollektion

Jennifer Jason Leigh Die hasserfüllten Acht .

Der einzige Moment der Weichheit in Die hasserfüllten Acht ist ein Setup für einen blutigen Gag. Daisy Domergue, das von Jennifer Jason Leigh gespielte flüchtige Gangmitglied, hat einen zärtlichen Austausch mit ihrem Bruder Jody (Channing Tatum), der ihr zu Hilfe kommt, kurz bevor er in den Kopf geschossen wird und seine Gehirnmasse über sie spritzt. Keine Zeit für Süßes in dem Film von 2015, der zeigt, was passiert, wenn eine Ansammlung von Menschen, die durch Rassismus, Frauenfeindlichkeit, Klassenressentiments, Profitmotive, kriminelle Zugehörigkeit und Krieg geteilt sind, 1877 in einem Außenposten in Wyoming zusammengehalten wird wird zugunsten des Sonnenbadens in der Hässlichkeit der Zeit verworfen, und der Film verschiebt die Sympathien des Publikums zwischen Charakteren, die, wie der Titel verspricht, alle auf unterschiedliche Weise hasserfüllt sind. Daisy, ein höhnischer, gackernder Boxsack, der Marquis Warren (Samuel L. Jackson) rassistische Beinamen anbrüllt, ist da keine Ausnahme.

Aber sie ist die einzige Frau im Raum, und wenn sie Gewalt ausgesetzt ist, wird das unweigerlich als schädliche Pointe präsentiert – diese Männer schlagen fröhlich und immer wieder um eine deutlich kleinere Person herum, weil sie es können. John Ruth (Kurt Russell) ist der Kopfgeldjäger, der Daisy ins Spiel bringt, und seine Tat führt zu einigen schnell abgetanen Gesprächen über Frauen, die hingerichtet werden ('Ich kann sehen, dass Sie keine gemischten Gefühle haben, eine Frau ans Seil zu bringen'). Diese Zeilen fühlen sich an, als würde Tarantino für seine eigene Behandlung von Daisy plädieren – dass sie mit den Männern mithalten kann und auch wie sie sterben kann.

Während Die hasserfüllten Acht kann nicht beschuldigt werden, einen seiner abscheulichen Charaktere zu unterstützen, es gibt auch keinen Standpunkt außerhalb von ihnen ab. Der Film endet damit, dass zwei der Männer ihre Feindschaft lange genug überwinden, um diese Frau, die sie beide verachten, aufzuhängen. Und was auch immer der Film über ein tribalistisches Amerika anstreben mag, das Vergnügen, das die Charaktere empfinden, wenn sie in dieser Szene mit den Füßen treten, kann wirklich nicht von dem Vergnügen getrennt werden, das der Film an dem Spektakel hat.

Sharon Tate Es war einmal in Hollywood (2019)



Everett-Kollektion

Margot Robbie in Es war einmal in Hollywood .

Wenn Die hasserfüllten Acht stellte einen wirklichen Bosheitstiefpunkt dar, Es war einmal ist als unauffällige Erleichterung angekommen – ein melancholischer und träger (bis zum letzten Moment) Film über die Freundschaft zwischen zwei verblassenden Showbiz-Typen, die sowohl von der Gegenkultur als auch von der amerikanischen New Wave zurückgelassen werden. Der Film handelt nicht wirklich von den Manson-Morden von 1969 auf dem Cielo Drive. Stattdessen verläuft sie parallel zu ihrem Hochlauf und mündet in einem entscheidenden Moment abrupt in einen Akt des historischen Revisionismus. Die fiktiven Kreationen Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), ein TV-Star, dessen Karriere zu Ende geht, und Cliff Booth (Brad Pitt), sein Stunt-Double, der Fahrer/Gofer/bester Freund wurde, retten Sharon Tate und ihre Gefährten nicht so sehr wie sie unwissentlich dabei, ihre Mörder abzufangen. Der Showdown, wenn er ankommt, ist eine Kakophonie von Tarantino-Tics in einer beunruhigenden Sequenz. Es ist ein genussvoller Racheakt gegen einige der brutalsten Schurken der Geschichte, der uns durch die Magie des Kinos gebracht wird, der auch die Optik zweier junger Frauen, die sich vor Lachen von Männern einschlagen lassen, unbekümmert ignoriert.

Und doch enthält die Darstellung von Sharon, gespielt von Margot Robbie, eine der schönsten Sequenzen, die Tarantino je geschaffen hat – in der die Nachwuchsschauspielerin zu einer öffentlichen Vorführung ihres eigenen Films geht, einer unauffälligen Dean-Martin-Spionagekomödie in der sie eine Nebenrolle spielt und die Reaktionen des Publikums auf ihre Szenen aufnimmt. Wann Es war einmal beginnt, beobachtet es Sharon aus der Ferne – die Nachbarin, die auf dem Hügel von Rick wohnt, verheiratet mit dem noch nicht in Ungnade gefallenen Roman Polanski (gespielt von Rafal Zawierucha in einer fast wortlosen Erscheinung) und das junge und schöne Leben der Party . Doch als es ihr im Theater näher kommt, wo sie sich spontan mit den (Kombi skeptischen und liebenswürdigen) Theatermitarbeitern identifiziert und eine Brille aufsetzt, um das Bild zu sehen, wird es zu einem herzzerreißenden Blick auf jemanden, der sich privat an der eigenen Arbeit erfreut. Robbie wird nicht digital in das Filmmaterial eingefügt, das sie sich ansieht – es ist die echte Tate auf dem Bildschirm.

Es war einmal ist eine Ode an den Dreck – an die Fernsehsendungen, die ausgeworfen und angeschaut wurden und dann aus dem Blickfeld verschwanden, und an die Filme, an die sich niemand erinnert. Die Idee, dass es immer noch eine Art Tapferkeit geben kann, kulturellen Abfall zu erzeugen, ist eine, die, abgesehen von sporadischen Stößen (hat Cliff mit Echos von Robert Wagner , seine Frau töten oder was?), macht Es war einmal eine der mitfühlenderen Folgen in Tarantinos selten mitfühlender Filmografie. Das Zärtlichste, was der Film tut, ist, Sharon aus dem Schatten ihres eigenen Mordes zu ziehen und sie als gewöhnliche Frau zu zeigen, die sowohl anziehend als auch banal sein kann. Es wagt es, sich ein Leben für sie vorzustellen, das vielleicht zu größeren Dingen auf der Leinwand geführt hat oder nicht, aber das ging weiter – unvollkommen und lebendig und nicht mehr für immer in Tragödien erstarrt.

funktioniert Rodan and Fields Lash Boost wirklich?

Für ein solange jetzt , hat Quentin Tarantino geschworen, sich nach seinem zehnten Spielfilm vom Filmemachen zurückzuziehen, was bedeutet, dass sein nächster Film auch sein letzter sein wird, wenn man ihn beim Wort nimmt. Als Filmemacher genießt er das mittlerweile sehr selten gewordene Privileg, für seine nicht billigen Originalprojekte Fördermittel zu finden und Talente zu benennen – einer der letzten der alten Garde der A-Listen-Regisseure, die dazu in der Lage sind . Die Tatsache, dass Es war einmal eröffnet mit einem Karriere-Besten 41 Millionen US-Dollar an Kinokassen total am vergangenen Wochenende betont nur, dass Tarantinos Entscheidung, in das Gebiet des Fernsehens und Theaters zu wechseln, eine persönliche ist, nicht eine, die von der sich verändernden Industrie vorgeschrieben wird ('Ich denke nur, ich habe alles gegeben, was ich für Filme zu geben habe', er erzählt GQ Australien ).

Die Branche ist doch verschieben. Das Zeitalter des genialen Filmemachers geht seit einiger Zeit zu Ende und wurde durch die Herrschaft des unternehmenseigenen geistigen Eigentums ersetzt, das für Studio-Manager wertvoller ist als jeder Regisseur oder Star. Und Tarantino war in Gesprächen mit mach ein Star Trek Rate als nächstes – wie er es ausdrückt,“ Schundliteratur im Weltraum“ – was bedeutet, dass sein letzter Filmbeitrag sein erster Franchise-Beitrag sein könnte. Tarantinos Bereitschaft, innerhalb der Grenzen einer beliebten Marke zu arbeiten, auch wenn es nur eine Lerche ist, spiegelt das wider, was viele andere Regisseure haben hatte zu tun, wenn sie heute eine Chance haben wollen, an etwas Großem zu arbeiten. In diesem Licht hat Tarantinos Entscheidung, weiterzumachen, etwas bittersüßes. Denn selbst wenn Sie seine Arbeit nicht mögen, ist es unwahrscheinlich, dass, wenn er weg ist, viele andere die Möglichkeit haben, seinen Platz einzunehmen, wenn es darum geht, Originalwerke mit der gleichen Strenge und Größe zu machen.

Wenn Zuschauer oder Kritiker über so etwas wie Tarantinos Behandlung von Frauen auf der Leinwand sprechen möchten, kann das Etikett des Genies als Passierschein verwendet werden, um ihren Beitrag zu reduzieren.

Die Ironie von Es war einmal , ein Liebesbrief an Menschen, die außergewöhnliche Arbeit leisten, ist, dass es Tarantinos außergewöhnlichen Status in der Branche brauchte, um ein so unwahrscheinliches Projekt zu verwirklichen. Und das ist etwas zu betrauern, wenn es darum geht, wie Hollywood sich in die Idee des visionären Regisseurs weitgehend verliebt hat – der Verlust so viel Potenzials für schrägere, abenteuerlichere, persönlichere oder ungewöhnlichere Kunst , wobei Streaming-Dienste nur halbherzig versuchen, die Lücke zu schließen.

Aber auch die alte Vorstellung vom Regisseur als Gott hat enorme Kosten verursacht. Die Branche hat Tarantino wenig Anlass gegeben, an der Vormachtstellung seiner eigenen künstlerischen Vision zu zweifeln, und bildet eine überschwängliche Blase um seine Arbeit. Es macht einen Unterschied, wem so viel Freiraum eingeräumt wird und wessen Anliegen ignoriert werden, um die Vision einer Person über alles andere zu stellen – selbst wenn sie wie Thurman versuchen, sich für ihre eigene Sicherheit einzusetzen. Wenn Zuschauer oder Kritiker über so etwas wie Tarantinos Behandlung von Frauen auf der Leinwand sprechen möchten, kann das Etikett des Genies als Passierschein verwendet werden, um ihren Beitrag zu reduzieren.

Abgesehen von kurzen Momenten wie dem in Cannes im Mai scheint Tarantino in seiner Herangehensweise an das Filmemachen nicht viel herausgefordert zu haben. Und als er war, nun, er weigerte sich nicht einfach, eine Antwort zu geben; er lehnte den Begriff der Frage ab. Diese ablehnende Haltung – die mit den lebendigen, einprägsamen Frauen, die Tarantino im Laufe der Jahre in seine Drehbücher geschrieben hat, einhergeht – ist ein Sinnbild für sein Beharren darauf, dass seine Filme Macht aus den Belangen der realen Welt leihen können, aber nichts den tatsächlichen Menschen schulden, insbesondere den tatsächlichen Frauen , die sie erleben. Stellen Sie sich vor, Sie hätten diese Gewissheit – stellen Sie sich vor, Sie hätten immer Recht. ●